KBr Flama’26

Hace ya cinco años que la Fundació Mapfre de Barcelona inició su compromiso con la promoción del talento que se esconde bajo las voces emergentes. En colaboración con cuatro escuelas de fotografía de la ciudad, la institución se propone dar a conocer el nombre y las obras de cuatro de sus estudiantes, acompañándolos en su primer contacto con el mundo de la fotografía profesional a través de la exposición KBr Flama’26, recién inaugurada y que se puede visitar hasta el 17 de enero de 2027.

El proyecto pretende reflexionar sobre la emergencia en su sentido más amplio y acercar al espectador a las nuevas metodologías, miradas e inclinaciones que atraviesan el panorama fotográfico contemporáneo. Sin embargo, resultaría demasiado simplista intentar esconder todas estas voces bajo un relato homogéneo. En esta sexta edición, la sala de exposiciones de la Fundació acoge cuatro nuevas perspectivas, cuatro historias por contar que, aun partiendo de experiencias y lenguajes propios, se mantienen unidas por compartir ciertas inquietudes.

Los cuatro fotógrafos se encuentran en una misma vocación artística: una cierta cercanía hacia lo íntimo en referencia a sus propias vivencias y el uso de la expresión creativa como un ejercicio de introspección. El nexo se halla en que cada uno de ellos se aprovecha de su propia experiencia personal para irradiar materias de cobertura común.

Meghan Mathews – It Was Good Enough For Our Mothers

En la primera sala viajamos directamente hasta el noreste de Tennessee de la mano de Meghan Mathews. A partir del último reencuentro con la memoria de su infancia, condicionado esta vez por sus propias experiencias con la maternidad, la artista reflexiona sobre las tensiones entre legado familiar y nuestra capacidad de autodeterminación. La exposición establece un diálogo entre materiales del archivo familiar, como las cartas intercambiadas entre madre y artista, e imágenes analógicas realizadas en la actualidad, logrando un resultado donde pasado y presente conviven en una relación constante que pone en cuestión, en buena medida, las contradicciones inherentes a la maternidad.

El título se inspira en un himno góspel del siglo XIX y plantea una de las preguntas que atraviesa las obras de la exposición: ¿hasta qué punto nuestras primeras creencias se arraigan bajo nuestra piel y permanecen en nosotras incluso cuando las cuestionamos conscientemente?

Meghan Mathews, s/t, proyecto It Was Good Enough For Our Mothers, 2023. Fotografía analógica con flash. © Meghan Mathews

Meghan Mathews, s/t, proyecto It Was Good Enough For Our Mothers, 2023. Fotografía analógica en blanco y negro con flash. © Meghan Mathews

Meghan Mathews, s/t, proyecto It Was Good Enough For Our Mothers, 2022. Fotografía analógica. © Meghan Mathews

Sara Bravo – Pink Elephant in the Room

El circuito continúa con Pink Elephant in the Room, trasladándonos esta vez a escenarios más cotidianos y, a su vez, más abstractos. El proyecto parte de las violencias desoídas que atraviesan y dificultan la cotidianidad del día a día de una persona no binaria. A través de la incomodidad visual, Bravo hace visibles otras formas de incomodidad (social, institucional o corporal) que este mismo colectivo puede experimentar en escenarios aparentemente normalizados para un público cisgénero.

La exposición funciona como el rastro de una preocupación personal que ha acompañado la vida de Sara Bravo, quien se ha encontrado ante diferentes situaciones de tensión derivadas de una clasificación forzada o casos de cispassing. Las experiencias de le artista se tangibilizan en imágenes minuciosamente construidas y teatralizadas que revelan situaciones habituales para una persona no binaria dentro de un mundo todavía demasiado enebifóbico.

A través de una práctica inspirada en uno de sus referentes, Thomas Demand, Bravo recrea escenas y lugares existentes utilizando papel a escala real. Empleando metacrilato, papel y otros tipos de materiales, Bravo construye espacios artificiales donde la percepción de la realidad comienza a quebrarse y, con ella, la veracidad de los escenarios que representa.

Sara Bravo, s/t, proyecto Pink Elephant in the Room, 2025. Fotografía digital © Sara Bravo

Sara Bravo, s/t, proyecto Pink Elephant in the Room, 2025. Fotografía digital © Sara Bravo

Sara Bravo, s/t, proyecto Pink Elephant in the Room, 2025. Fotografía digital © Sara Bravo

Elena Bulet i Llopis – Zarcillo

En el tercer ámbito viajamos al sur de España, a Andalucía. En esta penúltima sala encontramos Zarcillo, un proyecto que se plantea como un método artístico de investigación visual y que combina la necesidad de reconstruir una memoria heredada con una mirada próxima a la ficción histórico-poética. Para ello, Elena Bulet i Llopis nos lleva hasta Almayate, localidad malagueña donde se crió su abuela, y a los yacimientos arqueológicos que la rodean, construyendo un tejido de representaciones que invita al espectador a reflexionar sobre las presencias y ausencias con las que el pasado nos persigue.

Las obras se articulan alrededor de una cuestión: las formas de echar raíces en territorios que todavía no hemos habitado. Es precisamente aquí donde cobra sentido el título del proyecto, Zarcillo. En su dimensión semántica, este abalorio (un pendiente) hace referencia a la manera de marcar la pertenencia de un animal y al órgano filamentoso de ciertas plantas trepadoras que les permite sujetarse a aquello que las rodea.

Pero la propuesta no se limita a fotografiar lugares reconocibles del municipio malagueño, sino que los conecta con imágenes de objetos que podrían formar parte de un relato de ficción. La artista incorpora, además, una serie de textos (próximos al fragmento poético) de procedencia incierta, con los que busca reunir las piezas necesarias para descifrar su propio relato familiar. De este modo, las obras de Bulet i Llopis refuerzan una de sus preguntas vertebrales: cómo el pasado puede llegar a resurgir en el presente y qué formas de pertenencia somos capaces de construir en territorios que todavía sentimos ajenos.

Elena Bulet i Llopis, Gregario, 2025. Fotografía digital con flash externo © Elena Bulet i Llopis

Elena Bulet i Llopis, Colapso, 2025. Fotografía digital con flash externo © Elena Bulet i Llopis

Luca Gaetano Pira – Cárcel, Tacones y Libertad

La exposición finaliza con la propuesta de Luca Gaetano Pira. El último relato, posiblemente el de cariz más documental, se consolida como un ejercicio de memoria histórica acerca de las vivencias y luchas de Tania Navarro Amo, una de las últimas mujeres trans supervivientes del régimen franquista en España y, además, una firme activista por los derechos del colectivo. El autor consigue un resultado profundamente íntimo y humano, fruto de la confianza construida entre fotógrafo y sujeto. El proyecto toma forma a lo largo de dos años y parte de la voluntad del artista de construir un documental que no funcione como un mero homenaje, sino como una herramienta de persistencia y reivindicación histórica.

Las imágenes construyen ese clima de cercanía a través de sus escenarios, muchos de ellos situados en el propio domicilio de la protagonista, acentuando así el vínculo que se establece entre Tania y Luca. Al mismo tiempo, algunas fotografías se remontan a lugares clave para entender la lucha personal y colectiva por los derechos trans, siendo el más representativo las Ramblas de Barcelona, donde el 26 de junio de 1977 se celebró la primera manifestación del orgullo en España. La propuesta combina fotografías con material de archivo histórico para mantener viva una memoria que durante tiempo permaneció en silencio. Las imágenes funcionan así como una especie de grito visual, una forma de preservar el recuerdo de Tania y de reivindicar su lugar en la memoria pública.

El lenguaje personal para las preocupaciones colectivas

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