Mi nombre es Rosana Antolí. Soy artista y trabajo varias disciplinas como el vídeo, la pintura, la escultura y el performance. Ahora mismo vivo a caballo entre Londres y la ciudad en la que esté preparando un proyecto o exposición en ese momento.

Mi trabajo se focaliza en el entendimiento del movimiento en relación con las artes visuales, en buscar una poética en las acciones de nuestro día a día, en la repetición y en la absurdidad, y en el ser capaz de escuchar y observar la coreografía que nosotros y los objetos realizamos cotidianamente, así como la relación entre todos estos elementos. Al trabajar durante años puedes definir mejor qué es lo que estás investigando y a que estás respondiendo porque, muchas veces, esa búsqueda tiene un componente muy instintivo, al menos en mi caso. Yo vengo de la pintura y considero que siempre tengo una aproximación pictórica en mi práctica artística, aunque el formato que esté trabajando sea performance, escultura o vídeo. La pintura, para mí, es una forma de entender un todo.

Cada obra esconde un proceso complejo detrás, y la metodología de trabajo sí que la puedo entender como un ritual donde sé que unos elementos e ideas van a estar transformándose constantemente durante el proceso creativo hasta llegar a la pieza final. Dependiendo del proyecto, también cambian la localización y el contexto de su producción. Me gusta trabajar in situ, así que cuando tengo proyectos internacionales traslado mi estudio temporalmente a esa ciudad. Cuando los proyectos son en España o muy grandes en cuanto a producción, entonces me retiro a mi estudio de las montañas en Alcoy para trabajar en mejores condiciones. Por ejemplo, ahora, para preparar la exposición individual Rock It que tuve en Galería Espai Tactel, la feria de arte ARCO en Madrid, el premio Generaciones, y el vídeo del premio BBVA, me fui a aislar allí.

Nunca me ha preocupado que no pueda entenderse; sólo me he preocupado de comunicar y de producir una experiencia que genere inquietud y emoción, que sea coherente conmigo. Me gustan los caminos que ofrecen algún mínimo reto, aquellos a los que cuesta un poco más llegar. Mi trabajo tiene una gran parte conceptual detrás, pero la emoción es primordial.

Me gusta crear situaciones en las que invito a que el público, libremente, se note parte de la pieza para crear un flujo de movimiento y un carácter de incertidumbre que me apasiona. Las referencias de Cunningham, Kaprow y Cage son evidentes en este sentido, pero revisitándolos 50 años después.

Cuando trabajo el performance necesito conocer a las personas con las que lo voy a hacer porque se crea un vínculo de colaboración intenso entre ellas y yo. Las acciones que trabajamos con los performers son sencillas, pero requieren de mucha implicación mental y corporal. Por eso en Londres, durante estos años, suelo contar con el mismo grupo de gente que, dependiendo del proyecto, ya sabe cómo es mi nivel de exigencia y de trabajo, y yo también sé cómo hacer que el proyecto crezca con ellos. Cuando trabajo en otras ciudades, esta parte performativa funciona más con el método ensayo-error. Lo bueno es que al cabo del tiempo ya tengo, dependiendo del lugar, a colaboradores que conocen mi trabajo y metodología, y eso es fundamental para conseguir un resultado más sólido y coherente con la intención del mismo.

Virtual Choreography es el primer registro online de gestos en el mundo. El objetivo es crear una red de gestos que han sido previamente grabados en vídeo. Estos gestos han sido descontextualizados y repetidos hasta el sinsentido durante un minuto. Este trabajo tiene como referencia las One Minute Sculptures, de Erwin Wurm, que luego se transforma en One Minute Social Choreography. Los movimientos diarios de los participantes se vuelven absurdos; al coger conciencia de los mismos y volverlos a ejecutar repetidamente se les desprovee de su poder social, y las jerarquías de poder se vuelven obsoletas. El término ‘coreografía’ se democratiza, ya que todo el mundo que se mueve se convierte en bailarín. Hay una noción de intercambio dentro del trabajo: intercambio entre la cámara y el performer, entre yo como artista y los colaboradores, y el intercambio literal de los movimientos en la ciudad. 

Este es un proyecto de duración ilimitada que ha sido presentado en Londres y se irá moviendo por otros países. Estoy abierta a llevarlo a cabo en otras ciudades, y por ahora estamos cerrando lugares dependiendo de la invitación o propuesta para este 2017. Te puedo adelantar que ya está cerrado para presentar en Madrid, este junio, en la exposición Cuando los cantos nos diluimos, comisariada por María Montero en la Sala de Arte Joven de Madrid.

Siempre tiene que haber un equilibrio entre Apolo y Dionisio para que la obra sea interesante. Si la tecnología es una parte muy importante de nuestro día a día, lógicamente afectará al arte que se va produciendo, y este evolucionará.  Hay que entender la tecnología como material y concepto, y no como excusa. La página que trabajamos se llama Virtual Choreography, y cualquiera que lo desee puede formar parte de este archivo online y subir su minuto de gesto en repetición.

Me gusta ser capaz de tener bastante vocabulario para poder trabajar, y hay muchos lazos con las disciplinas que utilizo ahora que me quedan por aprender. Estoy en un momento en el que me interesa más profundizar en lo que hago que intentar abarcarlo todo, así que, ahora mismo, más que atreverme con un medio nuevo, me gusta desarrollar los que ya estoy trabajando. Suelo trabajar sola la mayoría de las veces; lo que sí es cierto es que tengo un grupo de gente que trabaja conmigo la parte de edición de vídeo, sonido o fotografía desde hace años. Si tuviera que elegir un medio con el que me gustaría experimentar más sería el sonido con relación a mi práctica. Es por eso que, cuando trabajo con músicos, intento involucrarme lo máximo posible y buscar lenguajes comunes.

Continuando más y mejor, por supuesto.