Bajo el prisma de la psicología o desde la vertiente de la pintura, Jean Carlos Puerto persigue una incesante exploración del individuo. Sus obras, de un realismo inmaculado y sobrecogedor, hablan sobre la aparente soledad, la intimidad y la nostalgia. Un verdadero ejercicio de introspección. Analiza la realidad humana, las relaciones sociales y los vínculos personales. Y siempre, siempre, tras la persistente y tenaz búsqueda de la identidad.
Eres un afortunado al gozar de dos pasiones –y muy distintas entre sí. Eres psicólogo y terapeuta además de pintor. ¿Te atreverías a calificar uno de afición y otro de profesión?
Intentar definir como afición alguna de mis dos facetas sería injusto por mi parte. La psicología ha sido hasta ahora mi profesión, en la cual he trabajado mis primeros diez años de mi vida laboral. La pintura ha ido creciendo poco a poco, he ido dedicándole más tiempo hasta que en 2016 me lanzo a exponer en una galería comercial. Desde entonces considero también que soy un profesional de la pintura. No podría entender una sin la otra en mí.
Estudiaste psicología y más adelante empezaste a dedicarle cada vez más tiempo a la realización de tu obra, tal como nos cuentas. En tus inicios, ¿te encontraste con impedimentos o falta de credibilidad por parte del gremio al no provenir de la rama de las artes?
Es una buena pregunta, porque es una sensación que he tenido desde el primer momento que intenté crecer como pintor. Sin embargo, he de ser sincero: la mayoría de las veces esta sensación no ha venido provocada por rechazos por parte del gremio de artistas. Al contrario, estoy muy agradecido, ya que con el tiempo he empezado a ser reconocido por colegas pintores y esto me ha ayudado mucho. Quizás esa sensación de rechazo se debía a mi propia inseguridad, como parte del crecimiento que todos necesitamos hacer cuando empezamos en algo. He necesitado poder mirarme de otra forma para poder hacerlo, y solo cuando esto ha pasado he sentido que los demás me miraban como un colega más.
Retratas la realidad humana, examinas las emociones y analizas las relaciones personales y sociales. ¿Qué historias cuentan o ilustran tus cuadros?
Mis obras cuentan historias que tienen que ver conmigo y, también, con todos de alguna forma. Intento llevar mi mundo, mis emociones, mis experiencias a representaciones pictóricas realistas pero que sin embargo cuenten algo inconcluso. Me gusta que sea el espectador el encargado de cerrar la historia o de sacar sus propias conclusiones. Para crearlas parto de emociones individuales (aparentemente) como el sentimiento de soledad o de otras más elaboradas y compartidas, derivadas de las relaciones interpersonales: vínculo, apego, rechazo, coaliciones, alianzas, etc. Situaciones en las que los personajes esconden algo inescrutable y de la que proporcionan ciertas pistas.
Tu obra El Desayuno, sugestiva e impecable, la consideras una de las más determinantes en tu trayectoria. ¿Por qué?
Lo ha sido hasta ahora por muchos motivos. En primer lugar, ha sido una obra que cierra una primera etapa de crecimiento en la que he explorado mi interior para saber qué quería pintar. Representa esa conexión entre mi mundo más intimo y el mundo de la psicología. En segundo lugar, representa un descubrimiento de hacia dónde quiero dirigir mi pintura en los próximos años. Y en tercer lugar, pero no por ello menos importante, también ha supuesto un gran reconocimiento porque en 2016 ganó el primer premio en el XVII Certamen Nacional de Pintura y Escultura Ciudad Autónoma de Melilla, y aunque ya había ganado otros premios, ninguno era de este calibre.
Existen similitudes con la obra de Edward Hopper, desde la introspección de los personajes a la búsqueda del más inmaculado realismo en el trazo. ¿Le consideras un referente? ¿Con qué obra suya te quedas?
Esto de provenir de la psicología hizo que tuviera cierto desconocimiento de los pintores más o menos contemporáneos. A medida que he ido introduciéndome en el mundo del arte y de la pintura he ido descubriendo artistas con los que he conectado, y Hopper es uno de ellos. Decirte una obra sería injusto, pero sí que me quedaría con todas las que representan situaciones de los Estados Unidos de principios del siglo pasado y que conectan con la soledad del individuo dentro de la gran urbe. Por ejemplo, Los noctámbulos, Sol de la mañana, Mañana en la ciudad o Autómata.
La incesante búsqueda del ‘self’ es una serie de gran carga conceptual, imperada por la exploración de la identidad de los personajes. ¿Cómo consigues esta profundidad?
La incesante búsqueda del ‘self’ fue como llamé a la primera exposición individual que hice y a partir de la cual me lancé al mundo profesional. Creo firmemente que esta búsqueda también era mía y, de alguna manera, someter a los personajes a mirarse en el espejo fue una metáfora de lo que tuve que hacer para poder encontrar mi comienzo en el camino dentro de la pintura. En cuanto a la profundidad, viene dada siempre por el espectador, de hasta dónde se quiera implicar y meter en la historia que represento. Me suele suceder a menudo que diferentes personas me interpretan un mismo cuadro de manera diferente, y esto para mí es algo fascinante.
Sin embargo, también cuentas con series como Underwater, donde existe un predominio de la técnica, con un excelente, minucioso y fascinante tratamiento de la luz.
Como bien has comentado antes, me gusta plasmar las relaciones personales; me considero un pintor de lo social. En la serie Underwater, al igual que en la serie de 19 horas, trabajo la relación del individuo con él mismo, en situaciones de soledad. En ellas intento contar historias, algunas veces más sencillas, otras, más complejas, en la que el individuo coge todo el protagonismo para el espectador. Estar bajo el agua me recuerda al momento en que más aislados e indiferenciados estamos del mundo, que es cuando estamos en el vientre materno. Y bueno, en cuanto a la luz… soy un enamorado. Me gusta que mis obras representen una luz específica y me esfuerzo con que así sea.
¿Cuál es el proceso creativo que sigues?
Normalmente, y antes de empezar cualquier obra, hay una idea detrás. Las voy anotando donde puedo, a veces incluso en el móvil, para luego volver a leerlas pasado un tiempo. Cuando las vuelvo a leer puede suceder que no me atraigan tanto como tenía pensado en el momento en que las escribí, pero en el caso de que sí, entonces pienso en quién podría representar la escena. Normalmente los modelos son gente cercana a mí. Quedo entonces con ellos para una sesión fotográfica en la que les cuento la idea y les invito a representarla de una forma un poco teatral mientras yo voy sacando fotos. Después elijo cuál representa mejor aquello que quiero contar y, en último lugar, utilizo la pintura como medio para plasmarlo.
Tus cuadros evidencian que aplicas tus conocimientos en psicología en tu arte. ¿Aplicas tus conocimientos artísticos en tus terapias?
Si te refieres a que utilizo la pintura dentro de la terapia como ya se utiliza en la arte terapia, te diría que no. El arte terapia es una disciplina con unos métodos y unos modos concretos en los que el arte es un medio de expresión emocional y narrativo. Más que aplicar mis conocimientos artísticos, lo que sí tengo en común con el arte es el estilo con el que hago terapia. Considero que soy una persona que se mueve bien dentro de lo metafórico, de las narrativas y de las historias, por lo que a veces me gusta hacer uso de la creatividad para poder intentar desatascar situaciones. También he dicho en alguna ocasión que hacer terapia tiene algo de artístico, y es algo que cuanta más experiencia tengo más convencido estoy. Hacer bien terapia requiere de una sensibilidad especial que a veces no es fácil de conseguir.
Un miedo, un sueño, una certeza.
Un miedo: descubrir las partes más profundas del alma. Un sueño: poder exponer en las grandes capitales europeas y americanas. Y una certeza: que las realidades y las relaciones humanas las construimos entre todos.
