En sus manos, el procedimiento fotográfico se une con la ilustración para crear un resultado único a través de la interacción de estos dos medios artísticos. David Gómez Maestre nos descubre su obra, en la que el trabajo del color, la luz y la composición se combinan para crear imágenes que nos trasmiten una historia: la de su trabajo, su lenguaje artístico.
Eres un artista multidisciplinar que combina la fotografía y la ilustración en sus obras. ¿Cómo empezó tu pasión por estas dos artes?
Mi padre es diseñador de zapatos, y ya desde pequeño estaba muy familiarizado con su trabajo. Pasaba los veranos en su taller trazando y dibujando, rodeado de un ambiente muy creativo. De aquí mi interés por el dibujo y la ilustración. También heredé de él mi interés por la fotografía, lo recuerdo en cada viaje disparando carretes sin parar. Tenemos en casa cajones llenos de fotos que mi padre ha ido recopilando durante años.
En tus fotografías más recientes, la ilustración se introduce a través del delineado de la ropa que llevan los modelos, creando así una conexión entre el dibujo y la imagen fotográfica, pero de forma muy sutil. Esta técnica la defines como photo drawing, ¿cómo trabajas la interacción entre las dos disciplinas? ¿Buscas normalmente un efecto de simbiosis o te decantas por una disociación más clara de los elementos plásticos?
Busco una simbiosis entre los dos elementos, pero me gusta que se puedan diferenciar plásticamente. La intención de este proyecto es ir mas allá de lo digital y convertir cada una de las fotos en una pieza única. Por este motivo imprimo las fotografías y dibujo sobre ellas directamente, eliminando así el medio digital en la ilustración.
Otra gran característica es la gran interacción entre diferentes gamas de color, ya sea creando una unidad armónica o un gran contraste. ¿Cómo te defines artísticamente por lo que respecta al uso del color?
Siempre he usado colores muy vivos durante mi trayectoria artística. Antes los representaba por medio del rotulador, y ahora mediante el uso de los tonos en la ropa y los diferentes fondos. Por otro lado, también me gusta mucho crear ambientes monocromáticos, ya que me dan mucho juego al resaltar todavía más la composición.
En tus redes sociales has publicado varios autorretratos. Me ha llamado mucho la atención uno titulado Drawing all day, en el que te defines como artista mostrando el procedimiento y a la vez el resultado final de tu obra. En otras imágenes también podemos encontrar elementos que nos muestran el procedimiento fotográfico, como la estructura que mantiene el fondo en el estudio. ¿Qué voluntad artística hay detrás de esta acción?
Creo que mostrar el proceso creativo es tan importante como mostrar el resultado final. Yo, como artista, quiero crear mi propio lenguaje y enseñar mi espacio, mostrando de este modo mis herramientas de trabajo. Pero muchas veces lo hago sobre todo por una cuestión estética en términos de composición visual. Si muestro la estructura que mantiene el fondo, es de forma totalmente intencionada, ya que me gusta jugar con diferentes ángulos y perspectivas que puedan enriquecer la fotografía.
Otro elemento que podemos encontrar en tu autorretrato y en general en tus obras es la geometría y la referencia a estampados tribales. ¿De dónde surgió este interés por esta estética?
Surgió cuando estaba trabajando en mi proyecto de final de carrera. Todo vino a través de un documental de las diferentes tribus africanas y de cómo se pintaban las caras, como representación de su pertenencia a una familia o a otra. Inspirándome en este concepto, empecé a retratar a mi familia y a mis amigos creando así mi propia tribu de mascaras tribales, manifestándose en obras compuestas a través de símbolos geométricos llenos de color.
La referencia geométrica y tribal se mantiene en tu logo, ¿cuál es su significado? ¿Son símbolos que hacen referencia a tu nombre o su origen se debe a otro factor?
En efecto, es la representación de mi nombre y mi trabajo en tres pequeños símbolos que representan mi estética. Mis amigos Raquel y Paco fueron los encargados de diseñarlos.
Has trabajado para diferentes marcas de moda, como por ejemplo American Apparel. También he visto que últimamente has trabajado en un proyecto con Reebok, en el que introduces tu técnica photo drawing. En líneas generales, ¿cómo gestionas, en la creación de las fotografías publicitarias, la conexión entre el estilo personal del cliente y el tuyo propio?
Normalmente no suelo tener problemas en adaptarme al cliente, ya que si trabajo con ellos es porque me buscan especialmente por mi estilo. Eso sí, siempre tengo en cuenta que estamos vendiendo un producto, por lo tanto tengo que ser fiel a sus colores y formas en la producción artística.
En tus principales plataformas de difusión no solo encontramos tu obra artística, sino que, además, incluyes música y referencias a otras imágenes. En consecuencia, al observarlas he tenido la sensación de estar leyendo una historia, como si todos los elementos formasen parte de una narración en la que se define tu punto de vista artístico a través de tus propias obras y de tus inspiraciones. ¿Te sientes inspirado por algún otro artista?
Me gusta que lo veas así y que puedas leer una historia en ellas. Cada cosa que publico está relacionada con mi trabajo, bien sea una canción o referencia a otros artistas. La música es muy importante, es la que marca mi estado de ánimo y la que muchas veces hace que escoja unos colores u otros en mis imágenes. Últimamente he trabajado mucho con el rojo a causa de mi obsesión por el disco Control de Janet Jackson, en el que la portada es de este color. Además, hace poco volví a redescubrir a Malcolm Mclaren, y su videoclip Madame Buttrefly me ha inspirado mucho en el uso del color beige y nude en mis fotos. Otras veces simplemente me inspiran mis amigos, como mi amiga y fotógrafa Juliette Cassidy, a quien admiro como artista y como persona.
Nuestro entorno es otra inspiración constante en la creación artística. Actualmente vives en Los Ángeles, ¿qué te ha aportado esta ciudad artísticamente?
Me ha aportado sobre todo experiencia, tanto en lo profesional como en lo personal. Aquí he aprendido principalmente a trabajar la luz, tanto la natural como la artificial. Me paso días metido en mi estudio jugando con el equipo, haciendo tests con modelos, jugando con sus expresiones faciales y sus movimientos. Otros días me voy a disparar por la ciudad y a buscar posibles localizaciones. Los Ángeles es una ciudad que siempre ha estado eclipsada por la industria del cine, pero desde que vine a vivir hace tres años he notado cómo está cambiando. Mucha gente está llegando de otras ciudades y se está creando una escena creativa muy interesante.
¿Cuáles son los próximos proyectos que tienes en mente?
De momento estoy planeando un show en el downtown para final de año, quiero enseñar a la gente que realmente dibujo sobre el papel y que mis trabajos no están trazados por ordenador. La exposición estará compuesta por una selección de fotos impresas a gran formato. Por otro lado, justamente ahora estoy trabajando en el álbum artwork para The Thrillers. También acabo de empezar a trabajar con Seven Artist Management, una agencia que representa creativos, y este año parece que va a estar lleno de nuevos proyectos.
