No creo que fuera un impulso, más bien una maceración lenta, demasiado lenta. Con 14 años ya tenia clarísimo que quería ser pintor, con 17 tuve mi primer estudio, con 20 las primeras exposiciones y un año después, muere mi padre y me encuentro al frente del negocio familiar. Creí que sería por poco tiempo, sin embargo, me equivoqué. La decisión no la tomé en un día concreto, se fue forjando día a día y, con el empujón oportuno, inevitablemente llegó.

Mi principal ocupación fue invertir el máximo de tiempo en la creación artística pero sin la necesidad de estar en el mercado del arte, eso me dio una gran libertad, que se refleja en mi actual trabajo. Lo que recuerdo es que quería crear y, al mismo tiempo, evitar que la gente cuestionara mi gestión en la empresa. Como es evidente, y con el tiempo, esto me creó un conflicto interno, prácticamente existencial, lo que propició que sintiera miedo a que amigos empresarios descubrieran mi faceta artística. Fue una locura, y lo que más me duele es que la mayor parte de la obra que realicé durante esos años, la destruí. Aunque mi parte consciente se resistía, mi parte inconsciente tomó las decisiones correctas y finalmente mostré al mundo mi obra.

Es difícil aconsejar, ya que cada persona tiene su propia idiosincrasia, pero sí que le diría algo muy tópico: que solo se vive una vez. Dicho lo tópico, cada persona tiene su tempo y es importante escucharlo; si tiene que llegar, llegará. Eso sí, trabajando mucho.

La distopía es la herramienta que utilizo para explicar el tiempo en el que vivimos. Normalmente la distopía y la utopía las proyectamos hacia el futuro, sin embargo, la distopía me permite hacer una crítica social del momento actual, dado que el presente es el futuro del pasado. El universo distópico me permite hablar de ello de forma amable, donde no contemplo la posibilidad de un mundo destruido, donde todo está ya arrasado o acabado, sino que hablo del primer momento en el que aparecen los cambios, en el que aún no somos del todo conscientes de que vivimos en lo que para el pasado sería una distopía y en el presente la normalizamos como un sueño cumplido.

Hace diez años estábamos cerca, ahora ya estamos. Como en cada momento histórico, las sociedades asimilan y normalizan los cambios tecnológicos sin apenas darse cuenta, de la misma manera que nos hacemos mayores sin darnos cuenta o nos hacemos dependientes de un teléfono móvil sin darnos cuenta. De manera que la vida que vivimos siempre acaba siendo distópica. Un ejemplo: la tecnología nos dio un piedra para romper huesos y alimentarnos, y sin darnos cuenta, la misma piedra un día sirvió para matar a un igual; yo pinto ese primer día.

Uno de los principales temas que ocupan nuestros debates diarios es el del cambio climático, y si a esto le sumas mi crítica social constante, resulta inevitable que la naturaleza sirva de narración a mis obras. Ya no entiendo el arte sin un componente de protesta ecológica.

Lo que pretendo es que el espectador tome consciencia, aunque sea por un instante, de que estamos inmersos en un mundo en constante cambio tecnológico, y que este cambio establece un diálogo entre la sociedad moderna y la naturaleza. El hecho de que a un ciervo le salga un coche de la cabeza puede denotar el peligro de una mutación, o mucho peor, el peligro de su desaparición por culpa de prácticas humanas.

Estas piezas aparecen en contraposición a la naturaleza. Establezco una relación entre nosotros –los humanos– y ellos –la naturaleza. Estos elementos simbolizan nuestra manera de vivir y cómo afecta a la naturaleza.

Los títulos pretenden hacer pensar al espectador a modo de juego irónico de la realidad. Que utilice la ironía no significa que debemos tomarnos la situación con humor, sino que representa una forma amble de explicar la distopía, y una vez asimilada por el espectador, sirva de reflexión dura.

Un cuadro es como un juego que busca atrapar al espectador –los títulos, el color, la pincelada; todo ello persigue el mismo fin, atrapar. Lo que pretendo decir, creo que no podría hacerlo de otra forma. Todo gira en torno a un juego psicológico entre obra y espectador.

Lógicamente Picasso es el monstruo que todo lo cubre, pero durante mi proceso de aprendizaje, artistas como Oskar Kokoschka, Soutine, Van Gogh, David Hockney, Francis Bacon o Munch han tenido un lugar importante. Hoy me gusta mucho la pintura de Leon Golub o Walton Ford, los dibujos mordaces de David Shrigley o la pintura emergente de Robert Nava. Y de referentes clásicos, Goya, que fue un pintor distópico sin saberlo.

La cerámica es una herramienta fantástica, es más concreta que la pintura, es como si tuvieras que explicar un libro en muy pocas palabras. No caben las narrativas que puedes utilizar en un cuadro, tienes que ser mucho más concreto, más sintetizado, como un verso. Como artista necesito la cerámica para resituar mi trabajo en lo concreto.

En primer lugar, agradecer la confianza que ha depositado en mí Victor Lope, referente del arte contemporáneo en Barcelona y un marco ideal para mostrar mi obra. Referente al futuro, estoy trabajando en el proyecto Ecocide (‘ecocidio’). Las obras están realizadas con petróleo, negro sobre blanco, y hablan descarnadamente del planeta. Estamos cerrando otras exposiciones fuera de España de las que prefiero contar poco (Sao Paulo, Miami, London), pero mejor ir contando conforme sucedan las cosas.