Filmin by Metal

Siempre ha habido una fina línea diferencial entre la performance y el mundo escénico, por lo que resulta imposible mantenerse ajeno a él. Cada una de mis obras tiene representación en disciplinas como el videoarte, por lo que, al tratarse de videocreaciones, trazamos caminos comunes. Desde que tengo uso de razón el cine ha estado en mi vida y, al igual que la lectura, el séptimo arte me acompaña a diario.

Desde los primeros años de edad, mi interés por experiencias e historias en cine y literatura en torno a la resiliencia, el empoderamiento o procesos disidentes ha sido clara. Mi vida ha sido una continua lucha para dejar atrás heridas marcadas por el maltrato o la hostilidad, por lo que siempre me han acompañado experiencias que representan esta caída y recuperación. 

Las piezas cinematográficas creadas en torno a la diversidad siempre han pecado de cierto cliché, por lo que cualquier enfoque diferente es de agradecer. Siempre me he sentido afín al humor inglés, Pride consigue darle la vuelta a una situación histórica pero con toques de humor clásico.
Cuando hablo de sensiblería me refiero a pecar de exceso de minutos de metraje dirigidos a la lágrima fácil, nada más que eso. El mundo del arte y la literatura han evolucionado a lo real, de ahí el auge de la performance. Creo que el cine ha llegado algo más tarde a las historias veraces, protegiendo tenazmente la ficción. Aquí podría abrir un debate sobre el momento político actual, en el que el exceso de ficción aplatana o ayuda a agrandar la asepsia mental generalizada. No obstante, no voy a entrar en él. 120 pulsaciones es política, y visionar piezas tan claramente construidas y dirigidas son de agradecer.

Tomates verdes fritos es una de esas películas que siempre estará enmarcada en mi infancia, por haberla visto en repetidas ocasiones. Considero que además presenta un posicionamiento mucho más radical que títulos creados a día de hoy.

Sorrentino es otro mundo. Tiene el poder de potenciar la belleza de lo sórdido. Es evidente que en lacras como la tauromaquia, el catolicismo extremo y el mundo bélico hay una potencia visual en cada uno de sus códigos, bella, erótica y prohibida. Sorrentino exprime esta estética, la reactualiza y la raciona en platos de dorada porcelana. La gran belleza es un discurso de una época donde nos muestra el distante mundo de lo artístico-espiritual del resto de la humanidad para finalmente arrojarlo al fango de la crudeza más real. Así, vislumbramos que el arte y el artista que se cree ajeno no lo es en absoluto. Me siento un hipócrita al visionarla, por lo que el disfrute está garantizado.

He aquí el quid de la cuestión, si alguien sabe la respuesta espero su llamada. Bromas aparte, es harto complicado conseguir el equilibrio entre lo discursivo y lo estético, por lo que en la época contemporánea que habitamos es más importante que prevalezca el discurso sobre lo estético. No obstante, si el creador consigue ambas, mejor que mejor. Entre las piezas elegidas, en algunas como Camino, el discurso vence plenamente a la parte estética; en cambio, en Polytechnique, Ida o A Single Man, la estética es tan sublime que el discurso acompaña a la estética magistralmente.

En un ácido contraste, en mi familia adoptiva, mi abuelo consumía compulsivamente tauromaquia y una colección de cintas con los títulos más conocidos de Bergman, por lo que pude ver todas ellas en diversas ocasiones. La cinta de Pasolini tiene una historia diferente, algo extensa para ser relatada aquí, pero tiene más que ver con un interés cuasi pornográfico, por lo que mi primer visionado tenía más que ver con el interés en cuerpos desnudos y representaciones eróticas que con un fin cultural.

He visionado ambas en decenas de ocasiones y considero que cada lectura es un aprendizaje. Son piezas cinematográficas que se deben ver en diferentes etapas del proceso vital. La carga filosófica y existencial de las mismas difiere del interés primario de los primeros visionados, para evolucionar de la atracción a Pasolini por el escándalo al interés por sus teorías, su visión de la sexualidad o incluso del género. Soy bastante contrario a la división de material cultural por edades, por lo que creo que con veracidad o claridad a cualquier edad cualquier temática es comprensible.

El club de Larraín es majestuosamente cruda, siento que mi herida cura un poco con cada visionado. La caza nos muestra otro punto de vista que, de alguna manera, también cura. Spotlight es otra película que trata el tema de manera sublime. Creo que visualizar cinematografía tan cruda con una temática cercana en este caso a mi propia experiencia personal te facilita y posibilita profundizar en ellas más allá del puro entretenimiento. En ocasiones he sentido la necesidad de interrumpir el visionado de películas como estas por una mezcla entre dolor y regresión a la infancia. El arte abre heridas.

La imbecilidad colectiva nos lleva a reducir el arte contemporáneo, el cine o algunas piezas musicales a mero entretenimiento, cuando son creadas por su potencial discursivo. No entender y empatizar con la radicalidad de muchas creaciones surge desde la no necesidad de vivir una vida política plena e inteligente. Por lo que yo aprendo al intentar poseer cada una de las obras cinematográficas y exprimir sus saberes. El cine es y debe ser útil, por lo tanto, tratado con respeto. Contenidos superfluos ya florecen en abundancia.