Viridiana: Con once años empecé a usar una cámara Mini DV de mi padre para grabar a mis hermanos y los eventos familiares. Luego estudié Comunicación Audiovisual pensando en dedicarme más al vídeo porque nunca había usado la fotografía de forma profesional. Para mí era algo más íntimo, hacía fotos de mis amigos, mi entorno cercano y mis vivencias. Al llegar a Barcelona en 2014 descubrí Fotodesign y me gustó el estilo que tenía, era muy diferente al de otras escuelas en las que prevalecía la técnica sobre una buena imagen. Con el curso me di cuenta de que lo que yo hacía de una forma más espontánea y cruda tenía cabida en la moda y a partir de ahí me fui introduciendo.
Patricio (Pato): Vengo del mundo del cine, estudié en Buenos Aires la carrera de director de cine y ya durante mi infancia y adolescencia había tenido mucha afición por la fotografía –desde un lugar puramente experimental. Después de la universidad, la vida hizo que me topara con gente que hacía fotografía de moda y me comenzó a interesar el tema de los fashion films. A partir de ese momento comenzó mi ‘despertar’ en la moda.
Patricia: De pequeña mi padre me transmitió su hobby por la fotografía. Más tarde decidí estudiar audiovisuales y posteriormente fotografía. Es aquí cuando empecé a sentir un especial interés en fotografiar personas y, junto con mi interés por la moda, decidí realizar el curso de Fotografía de moda en Fotodesign. A partir de ahí empecé a ver que podía ser mi camino.

Pato: Junto con Begoña Domínguez Farré (co-fundadora) y Aldo Bressi (co-fundador) habíamos puesto mucha ilusión en generar una escuela en Barcelona de estas características, y en el año 2013 la abrimos. Durante el primer par de años no sabíamos si funcionaría, así que comenzamos en un inmueble muy pequeño por el centro. Cuando ya veíamos que la idea funcionaba, decidimos dar el paso y buscar un lugar más grande y espacioso.
Justo en ese momento estaban cursando en la escuela Patricia, Viridiana y Carlos Onrubia, que también participó en la fundación del estudio, y con otros alumnos tenían la idea de alquilar un espacio para poder desarrollar sus ideas. Al final unimos ambos proyectos y generamos FreakStudio, un lugar donde convive el estudio fotográfico con la escuela y sus exalumnos ya convertidos en fotógrafos.

La principal motivación para abrir la escuela era generar un espacio académico que no se alejara tanto del mundo profesional. Yo venía de estudiar cine y sentía que en muchas cosas la carrera había sido muy enriquecedora. Sin embargo, en otras se alejaba mucho de la realidad del mercado y eso hacía que luego, al salir al mundo profesional, te sintieras perdido. Al hablarlo con personas que estudiaban moda vi que tenían la misma percepción, básicamente.
La idea de que profesionales de la moda se hicieran cargo de la conducción del curso era un desafío porque la respuesta era siempre la misma: los profesionales no tienen tiempo de dar clases. Con los años hemos generado un sistema y un calendario en el que los profesionales logran dar las clases y eso enriquece enormemente el proceso de enseñanza y lo hace muy actual.

Durante mi formación agradecí muchísimo conocer a tantas personas con respeto y amor por el arte. Todo lo que pasaba dentro de la universidad te invitaba a crear y eso es algo que intentamos replicar en la escuela todo el tiempo. Por otro lado, echaba mucho en falta la cercanía entre los profesores y el mundo profesional.

Eso es algo que a medida que van pasando los cursos vamos intensificando cada vez más. Intentamos ayudar a los alumnos en este aspecto, y eso nace un poco del proceso que he hecho yo dentro de la moda. Durante mi formación me comenzaron a hablar de morfología, reglas, luces, etc. y eso me aburría mucho. Solo cuando descubrí a fotógrafos como Ryan McGinley o Juergen Teller pude introducirme en este mundo desde un lugar mucho más íntimo y desde la creación artística.
Así es como intentamos potenciar la enseñanza en la escuela: la fotografía es una expresión artística y el respeto por la creación de cada individuo va primero para nosotros. Luego vienen el mercado y sus reglas, que también están presentes en el curso, pero nunca para desmerecer la parte artística. Durante mi etapa de estudios tuve que escuchar cosas como: “Bueno, si quieres ser artista allá tú, pero ¿de qué vivirás?” Ese tipo de frases no se aplican en nuestra escuela.

La moda está en constante cambio debido a la saturación de información que tenemos hoy en día, sobre todo en las redes sociales y en especial Instagram. En consecuencia, eso genera que muchos nuevos talentos busquen diferenciarse rompiendo con lo anterior. La gente joven es la que tiende siempre a marcar la diferencia, por eso es muy importante seguir de cerca estas tendencias.

En general depende de dónde estés mirando, pero sí que es verdad que desde las mismas marcas se apuesta por una representación más real de la imagen, no como antes que todo desprendía un halo de artificialidad. Se busca la naturalidad, la espontaneidad, la importancia de que una imagen transmita algo. No importa que una foto esté movida o cómo sea el encuadre, incluso se tiende cada vez más a retocar menos o a que no se note el retoque.
Esto es algo que ya pasaba fuera de la moda, pero han sido grandes figuras en el mundo de la fotografía las que han trascendido luego a la moda e inspirado a las nuevas generaciones. La fotografía de Larry Clark nunca se hubiese relacionado con la moda de los 90, pero hoy en día la crudeza de sus imágenes ha inspirado a muchísimos fotógrafos y marcas. Podríamos decir lo mismo de Ryan McGinley, de Dash Snow y de otras figuras importantes que han hecho que resucite la fascinación por el analógico.

Es cierto que ahora hay un interés especial por el analógico pero también lo es que hay fotógrafos que han generado su estilo en torno a este formato, y aunque se pase la moda, siempre van a seguir existiendo los que lo sigan usando. El tiempo le ha dado más valor a la fotografía analógica de lo que se pensaba con la llegada de la digital y al final convivirán, como ya está pasando.
Efectivamente supone más inversión, pero al fin y al cabo es una forma de fotografiar diferente a cuando disparas en digital. El analógico implica pensar más en la imagen que quieres conseguir, tomarte más tiempo con cada fotografía y cuando crees que la tienes pasar a la siguiente. Es un método que a algunos les funciona y a otros no, por eso ambos son igual de válidos y seguirán conviviendo. Al fin y al cabo, somos de la idea de que la herramienta no es lo más importante para conformar a un buen fotógrafo.

Pato: Difícil nombrar solo tres, pero últimamente miro mucho a Jamie Hawkesworth, Angelo Pennetta y Theo Wenner.
Patricia: Angelo Pennetta, Ryan McGinley y Matteo Montanari.
Viridiana: Ed Templeton, Tyrone Lebon y Ryan McGinley.

Hoy en día los medios digitales tienen una gran importancia en todos los sectores y el nuestro no es una excepción. El digital nos aporta un sinfín de posibilidades que con el papel no existían, como por ejemplo, herramientas para crear tu propia imagen y poder llegar a un público mucho más amplio. Las nuevas generaciones de fotógrafos se apoyan mucho más en el digital y las anteriores tienen que hacer lo propio para adaptarse a este medio o se quedan fuera del mercado. Además de los beneficios que ofrecen los medios impresos, el papel como objeto coleccionable siempre tendrá un valor innegable.

Los aspectos negativos son justamente esos, que todo vale en la medida que uno quiera. Por lo tanto, el consumidor del online tiene que ser mucho más crítico cuando consume contenido digital. Podemos encontrar cualquier cosa en las redes y hay que tener el ojo educado para encontrar la información relevante entre tanta oferta. Sin embargo, este es un problema menor si consideramos todos los beneficios de poder acceder a nuevos y variados perfiles de artistas que de otra manera no conoceríamos.

La revista impresa sigue jugando un papel muy importante hoy en día. Aunque el online es más práctico, como ya hemos comentado anteriormente, la revista impresa, aun siendo a veces difícil de conseguir, como objeto de colección nunca podrá ser equiparable a un determinado contenido digital. Tener una revista concreta implica querer que perdure en el tiempo, poder consultarla en según qué ocasiones o simplemente coleccionarla.

La idea de tener un estudio surgió hacia el final de nuestro curso en Fotodesign en febrero de 2016. Cuando estábamos terminando nos surgió la inquietud a varios compañeros de clase, entre ellos Carlos Onrubia, de tener nuestro propio espacio para poder experimentar y evolucionar como fotógrafos. Comentando la idea con Pato, con el que siempre habíamos tenido buena relación, nos propuso alquilar algo juntos y así acceder a algo más grande que sirviese como escuela y estudio a la vez.
La sinergia fue sin duda muy positiva porque, además de compartir el lugar, la escuela también nos permite estar muy conectadas con los nuevos fotógrafos que pasan por ella. La idea inicial pasaba simplemente por tener un espacio entre amigos con las mismas inquietudes, pero la repercusión final que ha tenido Freak va mucho más allá porque se ha convertido en un estudio muy solicitado y requerido por el que han pasado tanto fotógrafos nuevos y reconocidos del momento como escuelas de diseñadores, agencias de modelos, etc. Todo esto ha hecho que hayamos afrontado retos y responsabilidades para que siguiera creciendo.

Pato: Sí, tener a los exalumnos en el mismo espacio y ver cómo ellos avanzan en sus carreras profesionales es súper interesante porque nos obliga –a nosotros como escuela– a estar constantemente actualizados. Vemos referencias nuevas constantemente. La escuela se nutre de ellos muchísimo. Hay alumnos de diferentes años que se han hecho muy amigos porque el estudio siempre es un nexo que une a todas las generaciones que han pasado por él, es muy enriquecedor. Por otro lado, muchos fotógrafos han conocido el estudio y hacen el camino inverso, y gracias a él conocen la escuela y luego quedan en contacto con ella para dar charlas o workshops.

La escuela siempre está en crecimiento, nos hemos especializado 100% en moda y la idea es profundizar en ese campo aún más, agregando más cursos y más oferta educativa. A medida que seguimos conociendo a profesionales de este medio queremos que pasen por nuestras clases y aporten conocimientos nuevos a nuestros alumnos, lo que nos obliga a sumar horas a los cursos y organizar clases especiales.
Con respecto al estudio, aparte de seguir invirtiendo para ofrecer mejores servicios, tenemos pensado comenzar a realizar exposiciones en colaboración con algunos artistas. Queremos que se convierta en un espacio dedicado a recibir arte, no solo en el sentido fotográfico, sino también en otras áreas. Siempre que sea conocer artistas nuevos, el estudio tendrá sus puertas abiertas.