Montdedutor

Nos unió, en primer lugar, el amor, y después, una pasión compartida por el arte que se expresa a través de diferentes disciplinas. En 2009, cuando nos cruzamos y nos enamoramos, nos encontramos en una búsqueda personal común de fusionar distintas formas de arte y desafiar las convenciones tradicionales.
Lo que nos une ahora continúa siendo el amor y es la evolución constante de nuestra vida y nuestro trabajo, que sigue cuestionando, experimentando y explorando nuevos límites. La conexión es cada vez más profunda porque, más que una colaboración, es una forma de vida, una manera de entender el arte y el mundo a través del/los otro(s).

Nuestro lenguaje artístico se podría definir como un lenguaje híbrido, una mezcla de disciplinas que nos permite jugar con el espacio, el cuerpo, la palabra y el sonido. No creemos en límites fijos y nos interesa explorar la frontera entre lo físico y lo conceptual en una suerte de coreografía expandida. La danza es uno de los principales vehículos, pero siempre buscamos integrar otras formas de expresión como la arquitectura, el teatro y la ópera. Lo nuestro es un arte que se encuentra en el cruce de la performance y el pensamiento, que invita a cuestionar más que a dar respuestas.

Definitivamente. A medida que evolucionamos, nuestra manera de abordar los temas y las formas artísticas también ha cambiado. Al principio, quizás nuestra obra tenía un enfoque más introspectivo y experimental, pero con el tiempo hemos aprendido a conectar mejor con el público, a tener más conciencia de nuestro carisma y de  cómo se produce la interacción en el escenario. En cuanto a nosotros como artistas, hemos crecido mucho en nuestra capacidad de trabajar juntos, en nuestra comprensión del otro y en cómo nuestras visiones individuales se enriquecen mutuamente.

Nos sentimos muy agradecidos de que el público haya respondido tan bien a nuestra obra, ¡y que las localidades estén agotadas es increíble! Para nosotros es una validación de que estamos tocando algo que conecta, que nuestras ideas no solo están vivas en nuestra práctica, sino que también resuenan con el público.

El romanticismo a menudo idealiza lo trágico, lo sublime, pero también esconde algo oscuro. Queremos cuestionar esa idealización de la fragilidad humana, esa idea de que el sufrimiento es bello o necesario. En lugar de centrarnos solo en la estética, buscamos explorar los límites de lo que significa ser humano en esos momentos de crisis, de sufrimiento, y cómo esto puede ser también destructivo y primitivo. A veces, trabajar en los límites nos permite desentrañar verdades que podrían estar ocultas en el centro.

El ballet es un lenguaje que tiene una tradición muy fuerte, un simbolismo que conecta con la idea de lo sublime y lo trágico. Pero también nos permite cuestionar esas estructuras rígidas, darles una vuelta, movernos más allá de lo clásico y explorar la corporalidad de formas nuevas. Elegir el ballet es una manera de jugar con esa tensión entre lo establecido y lo experimental.

Nuestro proceso es tanto estructurado como espontáneo. Tenemos una idea clara de lo que queremos comunicar, pero luego dejamos que el proceso nos lleve a explorar cosas que quizás no habíamos planeado. Trabajamos a partir de un núcleo de conceptos y emociones, y el resto se va construyendo sobre la marcha. Es un balance entre la planificación y la apertura a lo impredecible.

La clave está en entender cómo se siente el concepto en el cuerpo. No se trata solo de representar ideas, sino de vivirlas. Es un proceso que involucra no solo la danza, sino el ritmo, la energía y la resonancia interna. El cuerpo se convierte en el medio para comunicar ideas complejas, a veces en momentos de gran abstracción, otras veces con una emoción muy directa.

El humor es fundamental. No es solo una forma de hacer que el público se ría, sino una herramienta para transmitir una crítica más profunda. El humor puede desarmar a la audiencia, romper barreras y abrir un espacio para la reflexión. Nos gusta que sea inesperado, a veces absurdo, porque ayuda a aliviar la tensión y, al mismo tiempo, hace más impactante lo que sigue.

Queremos que el público sea parte activa del proceso, que no sea solo un espectador pasivo. El arte se vuelve más rico cuando hay una interacción, cuando el público se siente implicado, cuando el espacio de performance se convierte en un intercambio. Nos interesa romper esa cuarta pared porque creemos que el arte debe ser algo compartido, algo que se experimenta juntos.

El público siempre condiciona el trabajo, no solo porque su reacción nos da pistas sobre lo que funciona, sino porque en cada performance se genera una energía única que modifica la experiencia. Lo que hacemos siempre está en constante transformación y, a veces, la interacción con el público cambia nuestra propia percepción de lo que hemos creado.

Cada lugar tiene su propio contexto cultural, y eso afecta la recepción de la obra. En Europa, las expectativas sobre el arte contemporáneo pueden ser diferentes a las de Latinoamérica, donde a menudo existe una conexión más visceral y emocional con la performance. Las audiencias son diferentes, y eso hace que cada actuación tenga un sabor distinto, algo que nos enriquece y nos reta.

A lo largo de este proceso hemos aprendido a confiar más en el otro, a ser más vulnerables y a trabajar en equipo de una manera más profunda. Nos sorprende lo fácil que es perdernos en la exploración del arte y cómo, a través de esa exploración, nos vamos conociendo mejor, no solo como artistas, sino como personas.

Nos gustaría hacer una versión contemporánea de Fuenteovejuna, de Lope de Vega.