Lucrecia Píttaro

Como artista plástica y diseñadora de moda y textil trabajo entre la función y el capricho. En ambas disciplinas disfruto de trabajar en torno al ornamento porque me permite construir desde lo figurativo del gesto y desde la abstracción del color. Sin embargo, la gran diferencia es que en la moda prima la utilidad mientras que el trabajo plástico está sujeto únicamente a la arbitrariedad de mis deseos.

Las piezas forman parte de un proyecto llamado La peau creado en 2017, que explora el concepto de máscara considerándola como un cuerpo. Cada retrato está compuesto de restos de múltiples rostros y patterns. Al utilizar cuero como soporte, la superficie no es rígida y fluctúa en función de su peso, acercándose a la escultura blanda. La idea no es presentar las piezas extendidas sobre una pared. El exceso de información en la superficie se equilibra gracias a los pliegues del cuero que interrumpen el discurso plástico y focalizan la atención en áreas que se crean aleatoriamente. De esta manera se potencia el concepto de máscara, multiplicándola como en un juego de espejos. Si pensamos al rostro como objeto, este se convierte en un parachoques mímico que actúa como defensa frente al peligro de vivir entre desconocidos.

Probablemente, pero de forma inconsciente, supongo que todos traemos restos de donde venimos. Y esos restos son el futuro.

Generalmente me guío por una pulsión de color que me va llevando a lo largo de cada pieza. Y a medida que avanzo trabajo por sectores. Esto provoca que cada detalle sea igual de importante que la totalidad. Me interesa cuando el color hace vibrar la superficie, cuando genera electricidad.

Me gusta pensar el color como una herramienta que da forma al contenido. Que construye morfológicamente, pero al mismo tiempo, es capaz de desfigurar y desenfocar los límites de la composición.

La representación de animales es propia de la última serie Voyage des ancêtres, basada en Cuentos de la selva de Horacio Quiroga. Me intriga la monstruosidad de los seres vivos y creo que la naturaleza puede llegar a ser extremadamente cruel y despiadada, si la juzgamos desde un sistema de valores.

Intento desarmar la noción de fondo y figura. Eliminar la jerarquía entre ambos y forzar el ojo a despejar por sí mismo los elementos de la composición. Mi trabajo participa de la idea del falso collage.

Lo interesante son los límites entre disciplinas. Un lugar que concibo como un área y no como una línea estrecha que delimita y separa. Jugar a ensanchar ese territorio donde las pautas no están establecidas y habitarlo hasta apropiárselo. Es gracias al ir y venir entre ambas disciplinas que se genera un nuevo espacio.

El punto en común entre estas ciudades es el valor que se le da al trabajo artesanal y al savoir-faire que éste conlleva. Es decir, la búsqueda de la calidad, el tiempo que toma formarse y perfeccionar una técnica específica para desarrollar una pieza artesanal y el costo que esto implica. Son nociones que están profundamente arraigadas en la consciencia colectiva, así como en la toma de decisiones a la hora de producir.

El viaje siempre me interesó mucho más que el punto de llegada. Era una aventura que sólo dependía de mí, mientras me gustara la vida en ese lugar, ahí seguiría. Y ahí sigo estando, sin haber llegado.

Londres.

La colaboración empezó hace 19 años cuando yo todavía vivía en Buenos Aires y luego, desde 2008, continuamos a distancia. Hemos logrado desarrollar un lenguaje particular que nos permite visualizar una idea hablando por teléfono.

Disfruto del reto de reinventar el imaginario de la marca una y otra vez. Intento aportar soluciones creativas a cada temporada para contribuir en el desarrollo de ese universo.

Más que un objeto, un lugar: un parque de atracciones.

Actualmente, estoy trabajando en una exposición individual en la galería Trinta para marzo del 2022.