Abierto València 2025

En su decimotercera edición, el evento ha reunido dieciséis galerías cuyas propuestas han sido de lo más variado: exposiciones más pop, otras más conceptuales, algunas muy minimalistas con poquita obra, y otras con las paredes más atestadas. La cuestión es encontrar algo que te hable, que te emocione y que te llegue, o que te haga cuestionar las cosas. Da igual, mientras consiga despertarte algo, habrá valido la pena. Al fin y al cabo, esa es una de las fuerzas principales del arte. 

Además de un programa variado, uno de los pesos pesados de Abierto València es su programa de adquisiciones, donde participan instituciones públicas y fundaciones privadas, y que ayudan tanto a artistas como galeristas a seguir adelante con su trabajo. El fomento del coleccionismo es algo vital para que el arte como mercado siga en marcha, y es realmente positivo ver el peso que tiene aquí. También hay premios a Mejor Exposición (que ha ido a Grabados de Domingo, de José Antonio Suárez Londoño, en Gabinete de Dibujos), y Artista Destacado (Laura Palau en la galería Luis Adelantado). 

Pero el arte, como todo, es subjetivo. Y aunque estamos de acuerdo con el jurado, no podíamos quedarnos con tan solo dos muestras, así que aquí os traemos las diez que más hemos disfrutado y que te recomendamos visitar antes de que cierren.

Galardonada como la mejor exposición, la individual del colombiano José Antonio Suárez Londoño en Gabinete de Dibujos es realmente llamativa en su capacidad de ordenar, exhibir y hacer entender múltiples grabados de pequeño formato pero de los que no deberías perderte nada. Curada hasta el más mínimo detalle, esta muestra reúne piezas del artista que revelan un mundo (mayormente en blanco y negro) plagado de símbolos, personas, animales y objetos que habitan lo inquietante, lo antropológico y a veces hasta rozando lo tenebroso.

“Antonio es una figura a seguir en el dibujo contemporáneo. Su obra se comprende, además de ser un virtuoso en términos clásicos de dibujo, en series”, explica el fundador de la galería. Y razón no le falta. Coleccionado por instituciones tan prestigiosas como el MoMA de Nueva York, su trabajo ayuda a entender la evolución del dibujo a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. Su muestra individual en València es una delicia: con lupas que te permiten explorar cada pequeño trazo, cada movimiento, cada elemento en el grabado, la ingeniosa museografía realza incluso más su virtuosismo.

Si algo tiene Antonio Ovejero, el artista que expone en CLC Arte, y que ha ganado el Premio Alhambra, es desparpajo. El costumbrismo, lo kitsch y las señoras bien a quienes les cantaban Las Bistec se encuentran en Si todo fuera de terciopelo, su nueva exposición individual, donde cuadros de mediano y gran formato pueblan las paredes de figuritas antiguas de porcelana, uñas recién pintadas, cigarrillos consumiéndose y manos tan enjoyadas como arrugadas. Más allá del primer impacto (colores vivos, escenas cotidianas, dominio perfecto de las texturas), el artista valenciano pretende reflexionar sobre temas más profundos como la memoria, la familiaridad, el peso y simbolismo de los objetos, especialmente aquellos de los que nos rodeamos y que conforman un entorno seguro y, a nuestro parecer, agradable.

Si hay un trabajo que impresiona por su minuciosidad, rigor y tenacidad, ese es el de Chingsum Jessye Luk. Set Espai d’Art acoge una muestra individual de la artista de Hong Kong residente en Zúrich. Lo suyo es coleccionar a lo largo del tiempo (y cuando digo tiempo, digo AÑOS): los tapones de los productos de belleza que utiliza, etiquetas de ropa (y además, de las buenas: MM6 Margiela, Balenciaga, Acne Studios, Valentino, Ganni…) o los cientos y cientos de tickets que acumuló trabajando de camarera. Con estos últimos, especialmente, ha confeccionado unas esculturas delicadas utilizando técnicas ancestrales parecidas al origami, pero todavía más complejas. El resultado es realmente intricado y fenomenal, un goce para la vista y el intelecto. Los tapones que mencionaba antes, en cambio, los pega a espejos, consiguiendo un efecto deformador que nos invita a reflexionar sobre el consumo, la vanidad, el cuerpo y los complejos.

Bajo el título Who Am I?, la artista propone una especie de autorretrato a través de objetos cotidianos, sobre todo residuos, que nos hablan de nuestra identidad dentro del mundo capitalista: lo que tardamos en generar y ganar dinero, lo rápido que lo gastamos y consumimos, y las consecuencias mentales e incluso físicas que esta vorágine en la que estamos sumidos tiene sobre nosotros.

Una de las galerías más longevas y emblemáticas de la ciudad, la de Luis Adelantado, que desde hace diez años rige su hija, Olga, presenta una exposición por partida doble: Segunda mordida, de Laura Palau, y Amuleto, de Javi Cruz. “Quería que estuvieran juntos”, comenta la galerista, porque sus obras presentan un paisaje “real y simbólico que nos acerca a conceptos como la memoria, la tradición y la superstición.”

Por un lado, Laura ocupa las dos plantas de arriba de la galería con fotografías, un vídeo, esculturas, y objetos intervenidos. Residente en Bélgica desde hace cinco años, la artista investiga temas como el conocimiento ancestral que se pasa de generación en generación (“hay cosas de nuestra familia que se nos van colando, es nuestra mochila”, comenta), el territorio, el sentido de identidad y pertenencia, y los símiles entre personas y vegetación (esto es especialmente visible, por ejemplo, en unas fotos donde se contraponen fotos de los lunares de la piel con los lunares en el tronco de un árbol). Es poética, conceptual y muy sentimental, y lo mejor es leer los textos de sala para comprender todas las dimensiones de su obra.

Por su parte, la obra de Javi es la primera con la que topas al entrar en la galería. Una pieza gigante que representa un cielo pintado, medio tirada en el suelo, hace que cambiemos de chip y de perspectiva. “En la última década he trabajado mucho en lo escenográfico”, nos contaba, y justo esa obra lucía como un decorado teatral, uniendo así lo performático con lo plástico. Hay más referencias al teatro: el ghostlight, una lámpara de pie que se deja encendida hasta que el último se va (un mensaje a los fantasmas), o las supersticiones pueblan sus obras, que juegan con el espacio de una forma casi mística.

Una de las galerías más nuevas, nacida en 2020, cumple cinco años, y el fundador ha decidido que se toma Nice to See You / Hope to See You Again, su muestra colectiva, como “una celebración de los artistas con los que trabajamos”. Desde obras más cercanas al diseño gráfico, al graffiti, hasta otras influenciadas por el manga, todas muestran un particular “interés por la pintura y lo que está pasando en la era digital”. Con nombres como Ricardo Passaporte, Martin Kacmarek, Lola Zoido, Tang Shuo, Nieves González, Aokizy, Thomas Trum, Julio Anaya Cabanding, Gema Quiles o Nico Munuera, la exposición en Tuesday to Friday es un reflejo ecléctico de las temáticas y estilos que más preocupan a los artistas de las nuevas generaciones.

La muestra In Scala de Lluc Margrau en la galería Vangar ha triunfado esta edición. Su belleza sutil, técnica y poética a la vez, le ha valido los Premios de adquisición de la Colección Kells por su obra Fade I, y de la Colección La Escalera por la instalación In scala IV y por su obra Estela V. Y esto es solo el principio, porque es tan solo la primera de tres fases, porque el artista y la galería expanden el proyecto en la feria de arte Stampa y con el colofón final, un show en la Untitled Miami en diciembre. Este es, tan solo, el punto de partida. 

“Vengo de la escultura sobre todo, y esta expo mezcla muchos lenguajes”, comenta Lluc, que trabaja en un taller a las afueras de la ciudad, rodeado de maquinaria pesada y materiales complejos de moldear. En sus manos parece fácil, y esa es otra de sus cualidades. En In Scala, la arquitectura toma el protagonismo, así como su propia historia y memoria. Uniendo arquitectura y gesto, pasado y presente, se despide de una casa familiar ahora derruida recreándola a través de trazos, hechos siguiendo la propia estructura pero también la luz del sol y la intuición. “No quería rasgar las paredes sino solo marcarlas”, explica. Como concluye Pablo Vindel en el texto de sala, “En In scala, esos mundos de formas se despliegan entre la severidad de la línea arquitectónica y la delicadeza de la presión sobre el yeso, recordándonos que todo espacio se piensa también a través del tacto, la memoria y el recorrido”.

¿Hay alguna canción valenciana más emblemática que Al vent, de Raimon? Fuertemente censurada por el régimen franquista, este tema escrito en 1964 se convirtió en una a la libertad en cuanto llegó, al fin, al público. Combativa pero sensible, ha marcado un antes y un después en la cultura del País Valencià. En To the wind, la artista Mar Reykjavik toma esta canción como punto de partida para investigar el lenguaje, la traducción, la hegemonía cultural y los espacios y voces actuales de resistencia. 

La exposición en Rosa Santos empieza en la planta baja con una foto del estudio donde Mar y dos cantantes amateurs pasaron una jornada entera grabando la canción y documentando todo el proceso, desde la traducción hasta el canto. Abajo, vemos un vídeo a dos pantallas que nos ofrece múltiples perspectivas precisamente de todo esto, poniendo el foco en el proceso creativo como parte de la obra en sí, más allá del resultado. Grabado en RMV Studios, en Estocolmo, los estudios donde ABBA produjo su último álbum, To the wind es una amalgama de conversaciones, discusiones, música, acordes, harmonías y palabras que entretejen ideas y pensamientos que cuestionan el status quo.

Si estás acostumbrado a ver el mármol en las esculturas clásicas de Bernini o Michelangelo, aquí vas a descubrir otro tipo de uso y, sobre todo, de elemento mitológico: menos ligado a la religión (aunque no del todo) y más conectado con el mundo orgánico. La galería Ana Serratosa acoge Origins, del dúo alemán Venske&Spänle, comisariado por Pedro Medina. Todo parte de una residencia en Galicia, donde esos bosques primordiales “invitan a la pregunta del origen”, afirma Pedro. “Todos imaginamos el origen como un lugar feliz”, continúa, refiriéndose sobre todo a la obra que nos recibe en la entrada, un conjunto de seis esculturas frente a una pared cubierta por un paisaje frondoso, verde, lleno de vitalidad. “Frente a un origen verde, puede venir un futuro desértico”, prosigue para explicar por qué en el lado opuesto de la sala, la pared expone otra foto pero de un paisaje árido, sin vida. 

Llamadas simpáticamente como smurfs (o pitufos, en castellano), las obras de Venske&Spänle pierden el aura grandilocuente y casi sacra de las esculturas de mármol por sus líneas orgánicas y, sobre todo, por no estar expuestas en pedestales, sino por parecer que “invaden el espacio”, dicen ellos. “Las esculturas interactúan todo el rato. Quieren comunicarse con nosotros. Nos dicen: estamos aquí, estamos vivas”, comenta Ana Serratosa, la galerista. Esos smurfs, de formas más indefinidas, nos llevan al órgano sexual masculino, a Darwin; es la naturaleza en todo su esplendor. Sin embargo, hay otras piezas que se asemejan más a las serpientes, cuyo simbolismo ha estado ligado, negativamente, a todas las religiones monoteístas. En este contraste –lo natural y lo sagrado, el origen y el futuro, el paraíso y el infierno– habita la obra de Venske&Spänle.

“Me gusta usar lo cotidiano y darle una espiritualidad”, explica Miguel Rotschild sobre su obra, expuesta en la galería Jorge López. Más específicamente lo hace cuando muestra qué ha usado en la foto del interior de una iglesia para materializar la luz divina que entra por el rosetón: hilo de pescar. Así, en un juego entre lo sacro y lo profano, lo lúdico y lo espiritual, nos encontramos Felices los que creen sin haber visto, su exposición individual. Pero lejos de provocar, como tantísimos otros artistas han hecho anteriormente, Miguel intenta entretener, hacer disfrutar e incluso jugar. 

Por ejemplo, hay unas obras, con fotografías también de iglesias, con las que puedes interactuar y ‘jugar’ a colocar unas bolitas metálicas en varios agujeros. Se pierde así ese miedo al no tocar las obras de arte, a sentirlas algo más propias, más cercanas. Como explica Jorge, el galerista, Miguel “trabaja desde la fotografía pero sin ser fotógrafo. La lleva a otros lugares y juega con la plasticidad de la imagen: la transforma, la corta, la retuerce”. Otro ejemplo es el de otra pieza de unos vitrales que han sido troquelados, agujereados. Pero esos agujeros, el papel, se transforma en confetti. “La foto está perforada, destruida, pero la imagen se entiende igual y se transforma además en algo lúdico y festivo. La luz divina se convierte en una fiesta”, celebra Miguel.

A punto de cumplir los diez años, la galería Shiras ha querido “reflejar mucho la línea artística” que lleva trabajando con el solo show de María Aranguren, Transcódigos. En palabras del crítico Juan Bautista Peiró, su obra “transforma un material industrial, tradicionalmente empleado en construcción y publicidad por su ligereza, resistencia y capacidad aislante, en un soporte poético, cargado de significados múltiples”. Y sí, en un primer momento choca ver ‘cuadros’ de cuya base es el policarbonato celular y no el lienzo, pero hablando con María, todo se entiende mejor. 

“He llegado a la conclusión trabajando desde hace tiempo que hablo del propio hecho de pintar, de la pintura en si misma”, explica la artista. Trabajando especialmente en la abstracción pictórica, Aranguren explora los códigos pictóricos (la luz, el ritmo, la composición) que tan familiares le son. Eso sí, con un elemento menos corriente, que le aporta “transparencia y un campo de juego dentro de mi creatividad. Y cierta tridimensionalidad, que es misteriosa para mí”, concluye.