Podemos imaginar un viejo Oldsmobile descapotable dorado recorriendo toda la costa oeste americana, acompañando una de las miradas más abiertas e intensas de Bernard Plossu (1945). Una mirada plasmada en esta exposición que recoge cerca de cuarenta imágenes inéditas del fotógrafo francés, nacido en Vietnam, así como una selección de sus imágenes más reconocidas. En La Fábrica (Madrid), hasta el 31 de mayo.
Nos recreamos en el destello setentero del Cutlass, que nos acerca aún más a esas escenas de carretera que durante veinte años atravesó, envuelto en la música y poesía de la generación beat, que tanto le inspiraba, y que inevitablemente nos lleva a Kerouac o Cassady pero también a Garry Snyder o a aquella vecina texana que le vendió semejante joya automovilística por setecientos dólares. En ella exploró Los Ángeles y las Sierras de California pero también viajó por todo por el sudoeste, pasando por Deming, Nuevo México, hacia el oeste y después hacia el norte, haciendo el recorrido de ida y vuelta en muchas ocasiones, retratando una cartografía cultural donde la sociedad y el paisaje aparecen en el mismo mapa.
La filosofía beatnik se difumina en parte de esta serie de fotografías de la América profunda, en unas imágenes espontáneas, auténticas, muy reales. Una realidad que la literatura y el cine de aquellos años también era retratada, cámara al hombro, por Raoul Cotard, cinematógrafo de Godard y Truffaut, tan admirado por Plossu, quien llegó a declarar que su fotografía “es hija de ese cine de la Nouvelle Vague de los 50 y 60. Porque una foto es una foto y no hay truco”.
El viaje sin embargo parece que va por dentro, y esa metáfora del tránsito, del cambio, de la libertad o de lo nuevo, nos traslada su misma necesidad de abrirnos al mundo y de lanzarnos a esos espacios abiertos de luz intensa y respiración contenida. Esa búsqueda fantasmal de las sombras, el retrato del silencio, la música de la cámara, la prosa nómada y el espíritu de la carretera.
La fascinación de Plossu por los hoteles también es muy evocadora: “Son lugares donde puedes dejar todo atrás. Cambiar de una habitación a otra es como cambiar el carrete de una cámara”. Solía utilizar la Nikkormat con una lente de 50 mm sin artificios, efectos ni distorsiones; y aunque recurría siempre a la película en blanco y negro, en la exposición podemos ver cinco imágenes positivadas al carbón fresson que muestran una faceta singular de la obra de Plossu, el color, significativo precisamente porque no lo trabaja desde 1975.
En 1988 obtuvo el Premio Nacional de la Fotografía de Francia. En ese mismo año el Museé National d’Art Moderne Centre George Pompidou le organizó una gran exposición retrospectiva de toda su obra. En 1993 la Fundación Gulbenkian presentó su trabajo en Lisboa. En 1996 realizó la exposición Los años almerienses con cámaras juguete en la sala Canal de Isabel II de la Comunidad de Madrid, y en 1997 el IVAM organiza su gran exposición retrospectiva en España. Plossu participó en PHotoEspaña 2001 con la proyección La Europa del sur contemporánea y en 2013 fue reconocido con el Premio PHotoEspaña.
En esta primera muestra que podemos ver en La Fábrica (Alameda 9, Madrid), la obra de Plossu adquiere una dimensión especial potenciada por el corazón del barrio de las letras de Madrid, en el cruce de los caminos que une los museos del Prado, Thyssen-Bornemisza y Reina Sofía. Un espacio donde la fotografía, el arte, la literatura y la música se agitan y se abren para acercarnos contenidos que se actualizan a diario, con una programación semanal de actividades, encuentros, proyecciones y conversaciones.
La Fábrica es un acceso a esas experiencias que suceden de repente, donde se interactúa, donde se aprende a mirar y donde se puede acabar tomando un vermut, comprando un ejemplar de Ojodepez y asistiendo a un intimista directo de Sethler, cuando en realidad sólo ibas a curiosear y a ver las imágenes de un conocido fotógrafo francés al que le gustaba mucho viajar.
